古典音樂問題精選(九篇)
前言：一篇好文章的誕生，需要你不斷地搜集資料、整理思路，本站小編為你收集了豐富的古典音樂問題主題范文，僅供參考，歡迎閱讀并收藏。
第1篇：古典音樂問題范文
一、古典音樂的概述
從傳統意思上講，古典音樂指的是西方的古典音樂，但我國的音樂形式中也包含古典音樂。古典音樂具有不同于其他民間及流行音樂的深厚內涵及復雜技巧，因而使得其雖在電影藝術中應用范圍較窄，但其所具有的重要影響力是不容忽視的。
二、古典音樂與電影藝術間的關系
電影誕生之初是以無聲的形式出現在觀眾面前的，為了擺脫這種無聲電影的煩悶感，電影播放時的幕后說話、現場伴奏等形式開始出現，現場伴奏時，樂師對樂器的選擇具有一定的隨意性，而這些所謂作品就形成了后來的古典音樂。古典音樂在電影藝術中面臨兩個問題，第一個是電影藝術本身的問題，第二個則是古典音樂與電影藝術間的問題。音樂和電影是兩種獨立存在的藝術，相比較而言，音樂是一種較為抽象的藝術門類。此外，古典音樂具有一定的歷史背景及修辭標準，因此其通常難以與電影需求相適應，因而使得古典音樂難以在電影中獲得良好的發展。但是，古典音樂所具備的獨特魅力是不容忽視的，只是想要使其在電影市場中取得良好發展，必須對其進行一定的改造與修整。值得注意的是，在進行古典音樂的修整與改造時，要把握好古典音樂的內涵，然后在此基礎上根據電影需求進行一定的修改。
三、古典音樂在電影藝術中的運用
隨著電影對音樂運用情況的多元化發展，古典音樂也在電影中獲得較為充分性的運用，以下就是根據古典音樂在電影藝術中的應用所展開的討論與研究。
（一）聲音與畫畫相對應，渲染影片的主題。目前，影片多會選擇能夠與自身畫面結合在一起音樂，例如在《教父Ⅲ》中，所選的歌劇具有強烈的聲音，其恰好與黑幫血拼的野蠻畫面對應，這就在無意間使影片的主題得到進一步的渲染。這種手法不僅可以振奮人心、渲染主題，同時還能夠使觀眾對影片具有較為深刻的印象。
（二）創造虛實相生的音樂空間。音樂在影片中主要擔任配樂的作用，而在音樂劇《和你在一起》一片中，陳凱歌導演將音樂和劇情完美的結合，為觀影者創造一種虛實相生的音樂空間，增加了影片的藝術感染力。小春在車站尋父這一節中，柴可夫斯基的音樂在小春喊著爸爸并沖下樓梯的那一刻突然響起；當父子相見后，音樂又變的激烈短促、節奏加快，此時將父子相見的激動心情表達的恰到好處；緊接著一聲嬰兒的啼哭又將畫面拉回到小春被抱養時的車站。影片中的音樂時而真切，時而虛幻，加上前期的鋪墊，將影片中的所有畫面巧妙地聯合在一起，在增加影片藝術氣息的同時，使想要表達的感恩之情體現的淋漓盡致。
（三）作為電影藝術的道具。在影片《時光倒流70年》中，拉赫瑪尼諾夫的《帕格尼尼主題狂想曲》作為一種道具而存在，兩者之間因存在一定的相似之處，而使得觀影者難以察覺到音樂及影片中的過渡處。該影片是一部浪漫的愛情劇，主人公理查德費盡心思回到68年前找到愛麗絲，兩人沖破各種阻礙墜入愛河，兩人在美麗的湖上泛舟時，理查德哼唱起了《帕格尼尼主題狂想曲》，愛麗絲開始喜歡并了解該歌曲。這首歌曲誕生的時期是愛麗絲沒有經歷過的，而正是這首由理查德從未來帶來的歌曲成為了她一生所珍惜的禮物。通過《帕格尼尼主題狂想曲》，導演將男女主人公的心連接在一起，它跨越了時空、打破了世俗、溝通了心靈，不僅給予男女主人公追求愛情的勇氣，同時也給觀影者帶去生活的激情，使其回味無窮。
四、總結
第2篇：古典音樂問題范文
課題：在大學的音樂欣賞課中學生對古典音樂和流行音樂的不同態度
形式：問卷調查封閉式，半封閉和開放式問卷相結合
現狀：傳統的音樂教學內容已經很不受學生歡迎,流行音樂以其貼近生活,通俗易懂,引領時代潮流而占據了學生音樂生活空間.
目的：為了能夠更好的使大學音樂欣賞課程和學生的心理發展結合起來，并且可以根據學生的要求來調整課程的設置，使得音樂欣賞課真的能夠學有所用。
研究背景：現在隨著大眾傳播媒體以及互聯網的不斷發展，使得人們對于音樂的欣賞與消費比以往的任何時代都更加迅速、有效和廣泛。在最近的幾年里，大大小小的演唱會也越來越多的出現在電視屏幕上。音樂排行榜、演唱會、歌友會等等音樂有關的名詞對于大多學生來說并不陌生，而孫燕姿、周杰倫、等歌手以及音樂團體更是耳熟能詳，對于古典音樂喜愛的人就越來越少了，但是在我們的大學的音樂欣賞課中對古典音樂和民族音樂的欣賞還是占有大部分，所以很多學生慢慢的已經不喜歡上音樂欣賞課了，為了了解學生們的喜好，并且更加準確的定位上課的內容，所以我決定做這個問卷調查應有目的地將流行音樂引入課堂,使學校音樂教育與社會音樂環境結合起來,形成合理、有效的提高學生素質的教學模式.
音樂教育在大學課堂中的重要性：音樂教學在藝術教育中有很重要的地位,它對促進學生的全面發展,塑造完美人格具有獨特的、不可替代的作用. 在高校人文素質課程教學中,音樂欣賞課是最受大學生喜愛的課程之一.在欣賞內容的選擇上,大多數學生選擇流行歌曲,而選擇交響樂、藝術歌曲和民族音樂等欣賞內容的學生則較少.
三、調查時間，地點，對象：
1調查教師情況：謝惠迎，女 大學本科畢業，教學內容：音樂欣賞，文藝指導
2時間：2007年 9月
3地點：北京興華大學（借助朋友的學校做的此項調查）
4對象：學生100名，平均年齡21歲
四、調查方法：
為了使我們的調查更具代表性，調查數據更具說服力，我們以不記名填寫調查問卷的形式進行校園問卷調查，派發問卷100份，收回問卷100份，有效問卷100份，有效問卷中男學生54名，女學生46名。
五、調查問卷：
1．你喜歡音樂嗎？（a 100%）
a喜歡b 不喜歡
2．你喜歡什么類型的音樂？(a 80%)
a流行b 懷舊c古典d戲劇
3．你認為大學中應該開音樂欣賞課程嗎？
(a 92%)a是b否
4．音樂對你的影響大嗎？(b 76%)
a大b一般c沒感覺
5．你會選擇在什么時候聽音樂？(e 64%)
a心情好的時候b心情不好的時候
c 睡覺前d吃飯時e 都有
6．音樂能變你的心情嗎?(a 87%)
a能b不能
7．如果音樂欣賞課程完全是古典是否能接受(b 100%)a會b不會
8．如果音樂欣賞課程完全是流行歌曲是否能接受？(a100%)
a能b不能
9．你是否會選擇到ktv唱歌釋放心情？
(b 73%)a會b不會
10．如果讓學生選擇在音樂欣賞課上
（b 90%）a古典 b流行
六．實驗過程：把問卷發給100名大學生，這100名大學生中有學音樂的，也有學其他學科的，但是都上音樂欣賞課程。讓他們在特定的時間內做出這些問題，并且放一些古典音樂和流行音樂分別讓他們欣賞，并同時寫下聽后的體會。其中百分之六十三的學生都不喜歡古典音樂并且聽不懂。還有百分之七的同學說還可以，能接受。剩下就是能聽懂的。但是對于流行音樂就出現了相反的狀況。喜歡流行音樂的同學占了百分之九十。
七．調查分析：調查發現絕大部分學生對通俗歌曲和現代流行音樂有偏愛。
八．調查結果：
轉貼于
在調查結束后讓每個同學寫了一個個人體會其中：
甲：這是我第一次這么認真的去聽古典音樂，以前上課的時候老師放也沒好好聽過，通過今天的問卷和試聽，我還漸漸的喜歡上古典音樂了。
乙：我喜歡流行音樂，既能聽懂娛樂性很強。
丙：流行音樂和古典音樂都可以
丁：我是學音樂的，古典音樂聽得多一些，但是有一些理解的不夠，在音樂欣賞課上正好彌補了這一點，可以更好的去聽老師講。
第3篇：古典音樂問題范文
在這波詭云譎、變幻莫測的時代里，一個有趣的現象引人深思：互聯網屢次沖擊古典音樂的“底線”，有人不斷為后者發出“病危通知書”，可它總能“奇跡般”地存活下來。這些保守人士通常不是這門藝術的創造者，而是自以為能左右大眾思考方式的評論家。
過往的歷史早已表明，評論家的觀念總是滯后于藝術家。從漢斯立克開始，這些靠碼字為生的人總在不停地追趕（或者說否定）古典音樂的前進步伐。不過需要注意，保守派不總是腐朽落后的代表，激進派也不一定能代表真實的未來。藝術本沒有對錯之分，只有主流與邊緣的區別。
然而，今天的情況比過去一百年里的任何時期更復雜。以往，評論家只需要將精力放在音樂上，音樂家、樂評人和公眾之間的角力也都圍繞著音樂本身進行。那時的古典音樂比現在更封閉，也更純粹。
當古典音樂被人們帶進互聯網和新媒體的花花世界后，那情形好比劉姥姥進大觀園。人們發現，古典音樂原來可以這么玩，可以這么聽，可以這么消費。于是，大家的注意力漸漸被分散到了更多的新事物上。
尤其到了Web 2.0時代，人與人的溝通方式被顛覆。音樂家、樂評人和公眾之間，不再只依靠可憐的報紙版面進行單向交流了，社交平臺讓他們可以直面彼此，相互傾訴。信息無處不在，溝通隨時隨地，傳統音樂會死氣沉沉，互聯網上熱鬧非凡。
YouTube交響樂團誕生之時，正值全民社交風潮席卷全球之際，古典音樂也被卷入其中。它在傳統媒體上日漸式微，卻在社交網絡里煥發了新生。
2009年前后，數字音樂的普及程度已經廣泛到不需要任何調查數據做支撐，越來越多的古典音樂被放在網絡平臺上。很少有人在意各大網站是否針對古典音樂下載進行過專門優化，大家早已習慣單獨下載交響曲的某一個樂章，甚至只需要貝多芬《第五交響曲》開頭幾小節的四音動機來作為手機鈴聲。
也許在衛道士眼里，在鍵盤鼠標陪伴下長大的年輕人根本不配成為古典音樂愛好者，但一個事實卻不容置疑：他們正無比真實地消費著這門古老的藝術。他們雖然不在意交響曲的內部結構，卻十分關心倫敦交響樂團的下一站巡演會下榻哪家酒店。
與流行音樂天然契合的數字音樂下載模式，依舊不肯為古典音樂做出絲毫改變，這個原本十分嚴重的現狀，卻被社交網絡下的喧囂氛圍所掩蓋。
這個虛擬的生態系統真正實現了人人平等。無論你是一名流行歌手，一支搖滾樂隊，還是一個交響樂團，都可以在Twitter、Facebook、微博、人人網上擁有屬于自己的賬號，即時狀態，與樂迷“零距離”交流。
在這種互動中，傳統媒體、樂團管理者、藝術總監和樂團首席們，現在都變得更加“親近”了。
得益于社交網絡，古典樂迷可以享受“足不出戶便知天下大事”的待遇；那些最資深的保守派也不得不利用這些社交工具來發表言論，因為只有在這個平臺上，他們的觀點才能被更多人看見；而長期抱有憂患意識的古典音樂制造者們，在面對新的網絡流行趨勢時，自然不敢有絲毫怠慢。
芝加哥交響樂團和克利夫蘭管弦樂團是最早申請Facebook賬號的美國頂尖樂團之一，前者在Facebook上異常活躍；倫敦交響樂團則在2009年的美國巡演期間，首次嘗試全程Twitter，讓樂迷們能夠隨時隨地得知巡演過程中的最新消息；薩爾茨堡莫扎特樂團首席指揮、英國中生代指揮名家艾沃?博爾頓開始習慣于在Twitter上預告他的錄音時間……
任何人都無法忽視這種全新的互動模式，它如此直接地打破了古典音樂相關人群間的藩籬，尤其讓音樂家與樂迷的聯系更加緊密。
人們可以像追逐流行偶像那樣去追逐一支管弦樂團，Twitter上的粉絲數量則成為了某位音樂家或者某個樂團是否擁有市場號召力的重要參照。總之，社交網絡為古典音樂帶來的好處是不言自明的。
不過，依然有批評家對古典樂壇過多介入社交網絡表示出了擔憂。
美國樂評人大衛?羅登在2009年7月撰寫的《新媒體樂團》一文中談到，網絡互動對管弦樂團造成的負面影響是“樂團不得不在網站開發上耗費巨資制作音頻和視頻。樂團行政管理人員必須花費大量時間去撰寫所有需要在網站上呈現的互動文字。如果演奏員也加入進來，他們將在打字或者錄音上浪費太多精力，以至于沒有更多時間去研究、練習和排練曲目”。
緊接著，羅登發出了與《金融時報》的克拉克如此相似的感嘆：“但是樂團又能怎樣呢？喧囂的媒體已經無所不在，如果他們希望被人關注，就必須更響亮、更有效地對外界發出自己的聲音。”
若論西方國家最中肯的保守派樂評人，克拉克與羅登也許可以雙雙上榜。與那些動輒高舉教化旗幟的人比起來，他們更能分清什么是主觀情緒，什么是客觀事實，并更準確地發現問題的癥結所在。
對來勢洶洶的網絡社交平臺，除了贊嘆它那些不言自明的好處之外，是否也應本能地有所警覺？要知道，時刻關心古典音樂生態環境的人（他們大多是保守派），幾乎都被訓練成了懷疑主義者。而懷疑精神恰恰是保守派的主要貢獻之一。
我們不妨跟隨羅登的思路，仔細想想，網絡社交平臺“真的在為樂團服務嗎？這種新模式是否帶來了更多聽眾？如果用生硬的經濟術語來表達就是：它是否真的促進了出席率、門票銷售和延續性捐款的增長，進而擁有可預見的投資回報率？”
網絡社交產生的延伸影響是，它讓越來越多的古典音樂制造者開始重新思考與觀眾的溝通方式。然而，即便網絡社交在客觀上促進了交流與溝通，仍有評論家從另一個角度對其進行解讀：“當管弦樂團把原本屬于音樂制作的經費資源挪用來搞公關時，那些最專注的音樂愛好者可能會對正在降低的音樂標準感到擔憂。”
有人諷刺說，越來越多的管弦樂團開始把網絡公關看做他們的主業，而把演奏音樂當成了后勤工作。
另一方面，在社交網絡的沖擊下，旨在強調互動因素的新型音樂會紛紛出現，然而，它引起的爭議卻不亞于當年數字音樂與傳統唱片的交鋒。這些標新立異的音樂會的確“促進了出席率、門票銷售”的上漲，但它能否成為一種常態模式，“進而擁有可預見的投資回報率”，尚未可知。
說到底，互聯網上的一切模式，最終都必須作用于實體層面，才能真正為古典音樂帶來效益。問題是，互聯網上的許多創意都擺脫不了短命的結局，“你方唱罷我登場，各領三五年”的狀況，讓人很難相信它們能擁有持久生命力，而在這種短暫風潮的效應中所產生的實體新模式，能否代表古典音樂的嶄新未來，恐怕再樂觀的人也不敢妄下斷言。
同樣，為迎合社會生活中的潮流趨勢而對古典音樂進行的隨意改造，也未必能贏得人們的認可。
誠然，古典音樂的諸多傳統亟待改良，但它也絕非任人擺布的小姑娘。
正如羅登所言，通信革命在飛速發展，“Twitter、博客和播客的用戶整日被束縛在電腦桌前，他們不再是我們所期望的聽眾群體。現在他們可以在任何地方與‘內容供應商’保持‘互動’。”
于是，當社交網絡和古典音樂廳相遇時，智能手機和平板電腦取代了我們的眼睛和耳朵，成為音樂的體驗者和裁判者。從2009年前后起，西方國家的古典音樂廳里常常會看到這樣的情景：
老人們依舊在座位上安靜地聽音樂，穿插于其中的年輕人則在音樂進行到某個“沉悶”的極弱樂段時，不自覺地從兜里掏出手機，開始拍照、發Twitter或者Facebook。
你是否覺得這個場景似曾相識？因為在中國某個城市的古典音樂會上，也時常出現類似的情況。這就是社交網絡與古典音樂廳相遇時所發生的事情，看上去它是那么“全球化”。
其實，這一現象早已在全球各地的搖滾音樂會上“普及”了。有人曾經這樣描述道：“許多時候，樂隊成員們發現他們正在對著一堆數碼相機和手機演出。”因為粉絲們都在玩手機，大聲說笑，發Twitter或者微博。
社交網絡的趨勢已不可阻擋，無論人們是站在電光四射的舞臺下嘶聲力竭地跟著搖滾樂隊狂吼，還是一本正經地呆在封閉的古典音樂廳里，都會時刻惦記著手里的那個社交客戶端。
面對社交網絡與古典音樂廳的這種“病態聯姻”，羅登失望地寫道：
過去，從音樂廳出來的觀眾們常常在回家的路上和身旁的同事談論剛剛結束的音樂會，下周又邀約其他朋友一起前往。但是，當互聯網成為你對音樂會每時每刻的反應及感受的發表平臺時，誰還需要朋友和同事？通過Twitter傳送的無線電波不正像管弦樂隊演奏的音樂一樣看不見摸不著嗎？
然而，更嚴重的后果并不在于人們選擇的音樂交流對象發生了改變，而是這種三心二意的聆聽態度。你能想象這些社交一族們真正用心聆聽過多少場音樂會嗎？我想說的是，當某人點亮手機屏幕的那一刻，周遭的任何東西都是次要的。
不過2009年的克利夫蘭管弦樂團顯然并不贊同我的觀點，他們嘗試鼓勵觀眾更好地使用手機。我不認為這支聲譽卓著的老牌樂團在標新立異中被沖昏了頭腦，我情愿相信，對于古典樂壇而言，2009年的確是一個瘋狂的年份……
6月底，盛夏時分，克利夫蘭管弦樂團宣布了一個和天氣一樣躁動的項目：“挑戰瑣事”計劃。
7月2日這天，觀眾可以攜帶手機（甚至不需要智能手機）參加樂團在克利夫蘭廣場舉行的音樂會，并在現場編輯短信“BLOSSOM”發送至樂團提供的指定號碼。
在樂團演奏過程中，觀眾的手機上將收到一系列與克利夫蘭管弦樂團有關的瑣碎問題，隨后可立即短信答題。
樂團方面興致勃勃地宣布：“每位參與者都將是贏家。”獎品是樂團在其常駐地之一――布洛瑟姆音樂中心的門票。
有關該計劃的新聞稿一經登出，立即引來當地評論界一片指責。于是，行政人員們立刻用各種方式做出解釋：雖然新聞稿里寫著“粉絲們可以在所有的音樂節和音樂會上玩瑣事游戲”，但樂團并非鼓勵現場觀眾在音樂會進行過程中發短信答題，“瑣事游戲”主要針對那些通過廣播收聽音樂會的聽眾。
此類事后補救的外交辭令顯然沒有說服力。
樂團的良苦用心可以理解，擴大古典音樂聽眾群也是他們的應盡責任，但作為一名大洋彼岸的觀察者，我很好奇克利夫蘭管弦樂團的核心觀眾會對這項計劃抱有怎樣的態度。
這些老者年復一年地參加音樂會，許多人會為了音樂廳里的一對座位而預付三位數的款項。當坐在旁邊的年輕人總是在音樂會上狂敲手機按鍵，或目不轉睛地盯著觸摸屏時，他們會作何感想？
老派觀眾們總期待樂團在每一個夜晚都能為他們帶來音樂上的驚喜，他們顯然不能理解，為什么要對那些遠在天邊、素不相識的人說些無聊的廢話，比如自己坐在第幾排、臺上的指揮是否衣冠不整、節目單設計得有多么丑陋等等。
在虛擬世界如此粗暴地綁架真實世界的年代里，患有網絡社交綜合癥的觀眾是否真的適合古典音樂？
在這個問題上，我更傾向于保守派。
有媒體對該事件評價道：“如果克利夫蘭管弦樂團依舊鼓勵他們的觀眾在演出過程中擺弄自己的小玩意兒，那么他們并非真的相信音樂所具有的能量和價值。如果連他們自己都不信，難道指望觀眾會信？”
不過，我更愿意相信“挑戰瑣事”計劃只是樂團偶爾突發奇想的產物。
第4篇：古典音樂問題范文
那位老師說，之前上音樂課，因為學生不喜歡教材的作品，覺得那些作品太“過時”了，于是有些學生在音樂課上做其他科的作業，或者打瞌睡、聊天。為了將學生“拉回”音樂課堂，經過反復思考，她終于找到了一條路徑。方法是這樣的：她把學生分成四個組，每個組由十三位同學組成，通過以歌會友的方式，每一節課每個小組分別派出兩到三名選手與其他組進行PK，而評委則由每個組分別派出的兩名同學組成，評委必須于每節課評選出周冠軍一名，最后每節課產生的周冠軍進入總決賽，在總決賽中決出最終的冠亞季軍。由于將競爭機制帶入課堂，所以課堂活躍了，那位老師備課也變得輕松了。她是這樣說的：如此上法，每節課她都過得很輕松，學生也很開心。
聽完這個教師的經驗介紹，有的老師非常興奮，似乎自己也找到了一條新的“出路”。但我卻感到了些許擔憂。
確實，課堂上，學生由原來的寫其他科作業、打瞌睡、說悄悄話而變為了興高采烈地融入課堂，這也的確是一個非常大的轉變，這種課堂比起那些“任其自然發展”的課堂確實要強一些，但我們又不得不思考以下幾個問題：音樂課程目標是什么？這是一堂音樂課嗎？學生從這節課中學到了什么？
我們不妨先來討論第一個問題。新課標闡述：音樂教育的目標是通過教學及各種生動的音樂實踐活動，培養學生愛好音樂的情趣，發展音樂感受與鑒賞能力、表現能力和創造能力，提高音樂文化素養，豐富情感體驗，陶冶高尚情操。而對于這位教師的教學，我們不禁要問：學生們提升“鑒賞能力”了嗎？提高音樂文化素養了嗎？學生是有興趣了，但我們完成音樂教育的目標了嗎？音樂教師究竟發揮的是什么作用呢？難道音樂課堂的活躍程度是衡量優質課堂的唯一標準嗎？答案必然是否定的。如果我們一味追求“學生喜歡就可以了”的目標，那我們的教材也就失去應有的意義。音樂鑒賞課的開設是讓學生在老師的引領之下，走進音樂的海洋，享受音樂的激情，并在音樂中思考人生，通過欣賞經典的音樂作品提升自身的審美能力，提升自我的品味和修養。這樣的課堂能達成以上目標嗎？
我們再來談一談教材。教材編制的目的是希望音樂學科遵循某種規律，較為系統、科學地欣賞和學習音樂。教材中的作品都是經過專家學者反復論證而收入的，具有普遍意義上的經典性和文化性。雖然我們可以“因才施教”和“因材施教”活用教材，但整個教材框架和整體基調是無論如何都不能變的。很多老師也許會認為既然學生喜歡流行歌曲，那么我們就給他們聽流行歌曲有什么不好呢？可是我們不妨想想，既然學生已對流行歌曲非常熟悉和喜歡，那還有必要放在課堂上嗎？所以在音樂課堂中學生更應該以鑒賞經典性和文化性強的作品為主。盡管學生對其不熟悉，但正因為不熟悉，才更應該去鑒賞、學習、探討。音樂教師的重要職責，就是要引領學生品味經典性的作品，激發學生在興趣愛好的推動下，自主地學習音樂、感受音樂、表現音樂甚至創造音樂。以人民音樂出版社高一鑒賞教材為例，其中，第七單元到第十二單元的內容包括了巴洛克時期宗教音樂、古典時期音樂、浪漫派音樂、民族樂派音樂、印象派音樂以及現代主義音樂，每個時期都節選了各重要代表人物最為經典的作品，如巴赫的《馬太受難曲》、貝多芬的《第九交響曲》、舒伯特的藝術歌曲等，這些都是經過時間考驗而傳承至今的經典作品，具有很強的代表性。我們從另外一個角度看，如果這些作品不出現在課本中，學生有可能主動去欣賞它們嗎？對于絕大多數學生而言，顯然是不可能的。如果學生忘卻經典，那也就意味著他們與高雅藝術、傳統文化漸行漸遠了。
文化與科技不同，科技的發展是一個替代制，一種科技產品總會在若干年內被新的、更先進的科技產品替代；但文化的發展規律恰恰不是這樣的，它應該是一個疊加的形式。只要是好的作品，不管是過了幾十年乃至幾百年它都能被人們傳承下來。就像德國偉大的音樂家貝多芬，一百多年的歷史過去了，但他的交響樂依然在今天的世界大舞臺上奏響，時至今日，貝多芬的《第九交響曲》依然是那么震撼人心；柴科夫斯基的《六月船歌》依然是那么的美妙和富有詩意；任何時候聽舒伯特的《小夜曲》，仍然感受到的是那股強烈的浪漫氣息……
因為學生的周圍――大街小巷、商店、媒體幾乎都充斥著流行音樂，由于中學生的知識、閱歷有限，所以他們很容易不同程度地帶有盲目的從眾心理。我們能說學生是真正地喜歡流行音樂而不喜歡古典音樂嗎？假如我們周圍播放的不是流行音樂而是古典音樂，那學生是不是也會喜歡古典音樂呢？其實盲目地“隨大流”是談不上真正的“興趣”和“喜歡”的，“從眾”，也許僅此而已。
我曾專門約了一位對古典音樂比較熟悉的學生聊天，他說：“我從小就學習古典音樂，對古典音樂應該說是有‘感情’的，但因為班里對古典音樂了解的同學實在是太少了，如果我表現出對古典音樂的‘感情’，同學們可能會把我當成異類，甚至會認為我‘老土’、‘不入流’，因此我也只能‘隨大流’唄”。這說明大多數學生對古典音樂是陌生的。興趣是與認識和情感相聯系的，若對某件事物或某項活動沒有認識，也就不會對它有情感和興趣。有這樣一個案例：一天，孩子突然對媽媽說：我要彈鋼琴，于是媽媽很高興，以為孩子對彈鋼琴感興趣，很快就買了一臺鋼琴給小孩，但不到一個星期，孩子就想放棄。由此可見絕大多數的孩子一時間所謂的感“興趣”，其實僅僅是一種表象，這只是小孩對新鮮事物的“好奇”而已。所以，興趣是需要培養的，需要我們關注孩子的“好奇”，保護孩子的“好奇”，給孩子營造一個讓“好奇”種子生長的環境。
如果我們給學生創造一個感受、認知古典音樂的環境，讓學生體驗到古典音樂的美，它既能提升人的藝術品味，又能陶冶情操，同時也能拓展人的視野，這樣，他們中的絕大多數就會自然地對古典音樂產生興趣，乃至喜歡上古典音樂。準確地說，在大多數同學口中的“不喜歡”還不如說是不了解。因此，作為音樂教師的我們，給學生們塑造古典音樂的氛圍太重要了，我們要求家長都帶孩子去聽音樂會可能不太現實，但在我們堅守的教育陣地上我們能輕易妥協嗎？能盲目地隨大流、消極地從眾、隨學生“投其所好”嗎？
誠然，在校園中普及古典音樂是一項非常艱巨的工程，需要正確的引領和一線教師的堅守，這其中可能會碰到許多的問題，這些問題的形成可能也是從社會矛盾中滲透出來的，我們也許無法去改變，但我們能做的就是要讓學生們在校園期間多接觸、多體驗古典音樂，讓古典音樂的種子在學生的人生中生根發芽。
第5篇：古典音樂問題范文
一、西方古典音樂在中國流行音樂中的運用
1.在歌曲的前奏部分融入古典旋律
每一首歌曲在開唱前均有一段不同的旋律，而在中國的流行音樂中往往會引用西方古典音樂中的某一旋律作為前奏，前奏播放完再進入正曲。欣賞者會陶醉在前奏中而順勢進入整首歌曲的傾聽中。如S.H.E的《波斯貓》和《不想長大》兩曲在前奏部分就分別運用了英國作曲家亞伯特科特比的管弦樂作品《波斯市場》和奧地利作曲家莫扎特《第四十交響曲》之第一樂章旋律片段；而范曉萱的《我要我們在一起》則在前奏部分運用了挪威作曲家格里格《培爾金特》中《安妮特拉之舞》的旋律片段。再如蔡依林的《離人節》和林寶的《藍色月光》在前奏部分也分別運用了波蘭鋼琴家肖邦E大調練習曲《離別》和德國作曲家貝多芬《月光奏鳴曲》第一樂章的旋律片段。又如劉若英的《分開旅行》的前奏部分運用了法國作曲家德利伯的歌劇《拉克美》中的詠唱調旋律片段。以上幾例不但選取了管弦樂合奏曲、鋼琴獨奏曲等器樂作品的旋律片段，更有運用歌劇的旋律片段作為歌曲開頭的前奏，從而引出正曲，使得歌曲風格突變，出其不意，給人一種別樣的感覺，吸引欣賞者將整首歌曲傾聽完畢。
2.在間奏部分融入古典旋律
有部分歌曲在間奏部分也會選用融合一些西方古典音樂旋律，在間奏出現前以流行歌曲自身風格發展，進入間奏后突然以古典音樂旋律片段出現，給人以別樣的新鮮感與聽覺沖擊，增加戲劇性效果，也加強了作為流行歌曲的旋律感深度。如五月天的《知足》在間奏部分就出現了奧地利作曲家莫扎特的C大調《小星星變奏曲》；再如4 In Love的《一千零一個愿望》在間奏部分采用了德國音樂家巴赫《G大調小步舞曲》的主題旋律片段。在間奏部分融入古典旋律可增加流行音樂的深度，讓欣賞者進一步感受到戲劇性的歌曲，在傾聽的過程中始終保持新鮮感。
3.在尾聲部分融入古典旋律
將西方古典音樂片段作為歌曲尾聲的情況不常出現，但也有為了強化歌曲意境的效果而選擇這種運用方式的。如周迅的歌曲《伴侶》即在尾聲部分運用了奧地利作曲家約翰施特勞斯圓舞曲《藍色多瑙河》的片段。由于該圓舞曲的節拍正符合歌曲三拍子的節拍，故選用之，使得歌曲即使到了尾聲部分但卻產生令人意猶未盡之感。
4.運用古典音樂旋律進行改編
中國流行音樂中有部分歌曲是選用西方古典音樂的某一片段，或是選用整首曲子進行旋律的改編于創作，或是在使用樂器上進行改變。這樣的歌曲在多數情況下是以古典音樂為伴奏背景，或選擇某一片段進行不同程度的改編、改創。其主要方式有配器上的改換，如五月天的《快樂很偉大》運用了德國作曲家貝多芬《歡樂頌》的旋律片段，而以吉他、貝斯、爵士鼓來重新配器、演繹，一來符合流行歌曲的一貫配器手法，二來對于聽慣了以古典形式演奏的《歡樂頌》的人來說，無疑是一次新的聽覺感受。再如楊丞琳的《慶祝》以及S.H.E的《Remember》兩曲中分別運用英國作曲家艾爾加的小提琴協奏曲《愛的禮贊》以及俄羅斯作曲家柴可夫斯基的芭蕾舞劇《天鵝湖》的主題旋律，并用電聲化配器進行改創，增強了節奏感與律動性。
綜合以上可看出，西方古典音樂在中國流行音樂中的運用十分廣泛，為流行音樂注入了不一樣的元素。而當代中國流行歌曲中對于西方古典音樂運用之情況較為豐富多樣，不同體裁作品，不同位置的選擇，不同形式的編創，無不體現出當代中國流行歌曲在創作時的創新意識，同時也帶給聽眾不同的審美體驗。
二、中國古典音樂在中國流行音樂中的運用
中國古典音樂旋律更加和諧，更加流暢，其中主要包括宮、商、角、徵、羽五個音，五個音的完美結合更易讓人接受。因此，在中國流行音樂中融入中國古典音樂是必要的。加上中國戲曲、民歌的獨特風格和演唱方法，更會給人一種眼前一亮的感覺。也正是因為這樣，中國傳統的古典音樂文化似乎得到了現代人的肯定。比如黃雅莉當年的成名之作《蝴蝶泉邊》，明顯的中國民謠風格，再加上樸實的歌詞又給歌曲增添了幾分中國色彩。就連編曲也決不疏忽，用到了各種民樂，古箏、簫、揚琴、琵琶、笙等等，過足了一把中國風的癮。而后的《火星愛月亮》依然以民謠為主體，民謠最大的特點就是接近生活，傳唱度非常的高。所以瑯瑯上口的曲調，成了這兩首歌曲成功的秘訣。
第6篇：古典音樂問題范文
選擇什么樣的音樂做胎教音樂？一說到這個問題，
也許很多準媽媽馬上會想到是選古典音樂還是現代音樂？
是選民族音樂還是流行音樂？其實，用古典或流行的標準來選擇胎教音樂，
正是準媽媽們常常出現的一個誤區。
選擇胎教音樂的三個標準
其實，胎教音樂的選擇與古典還是現代并沒有直接的關系，對于胎教音樂的選擇通常需要依據以下幾個標準：
音樂的節奏要與人的心跳頻率接近。大約每分鐘60 － 70 拍。節奏不能過快，太快的節奏會使胎兒緊張。但并不是說舒緩的音樂就好，過于平淡或單調的音樂也不好。搖籃曲或重復單調歌詞的音樂，可能很快地讓孕婦和孩子睡著，這樣就不能達到胎教的目的了。
音樂的頻率范圍不能超過2000 赫茲。這是因為胎兒的腦部發育尚未完整，其腦神經之間的分隔也不完全，因此，過高本文由收集整理的音域會造成神經之間的刺激串聯，使胎兒無法承擔負荷，造成腦神經的損傷。輕則在出生后聽不到高頻范圍的聲音，重則有可能導致失聰。
音樂的節奏不能過于強烈，不應有突然的巨響。胎教音樂中不能使用較強節奏的架子鼓等打擊樂器，因為架子鼓的“咚咚”聲和子宮內的胎音混合在一起，形成一種不協調的雜亂無章的混亂節奏，會給胎兒帶來不良的刺激。另外，音樂中如果出現突然的巨響，會給胎兒造成驚嚇。
根據這三項標準來選擇胎教音樂，不管是古典音樂還是現代音樂，民族音樂或是流行音樂，只要是不符合這三個標準的，都不能作為準媽媽的胎教音樂使用。
此外，胎教音樂不宜過長，五至十分鐘的長度是較適合的，而且要讓胎兒反復聆聽，才能造成適當的刺激。等到胎兒出生之后再聽到這些音樂就有熟悉的感覺，能夠令初生嬰兒有待在母體內的安全感，對于安撫嬰兒情緒相當有效。
優秀的胎教音樂
依照上面所說的三條標準來選擇胎教音樂就會發現，其中古典音樂占了相當大的比例，但這并不能說明所有的古典音樂都適于胎教。一部分古典音樂（特別是巴洛克音樂）因為其節奏和母親的心跳旋律相近，所以對胎兒和新生兒有啟發和安撫的作用，巴
轉貼于
赫《g 線上的旋律》、莫扎特《21號鋼琴協奏曲》、韋作特《d 調廣板吉他協奏曲》、舒伯特《鱒魚》鋼琴和提琴五重奏，這些都是不錯的選擇。
音樂胎教，快樂情緒最重要
第7篇：古典音樂問題范文
因美國次級貸款危機引起的金融危機，如今已經影響到了全球各個領域。在當今金融高度資本化、流通化和國際化的市場下，金融危機的傳播速度比上世紀30年代的全球經濟大蕭條更為迅猛，甚至已經導致了國家破產，諸如冰島。目前，冰島不得不求助于俄羅斯的40億歐元貸款以維持國家運作。率先在冰島破產中受到重挫的便是正在興建的音樂廳。這個附屬于冰島首都雷克雅未克國家會議中心并擁有1800座席的音樂廳，臨海灣興建，風景宜人，耗資巨大。該音樂廳也是冰島交響樂團未來的駐地，由指揮家兼鋼琴家弗拉基米爾?阿什肯納齊擔任藝術總監。由于受金融風暴的影響，該音樂廳目前已經停工。
在發達國家的歐美地區，古典音樂和歌劇界也因為金融危機而遭受重創。其中，受其影響最為直接的便是藝術贊助商的撤出，其次是聽眾緊縮開支后帶來的票房收入的減少。自演出經紀成型后，古典音樂演出成本高昂，且水漲船高。加之古典音樂機構通常為非盈利機構，必須需要商業贊助，而金融機構歷來是古典音樂的慷慨投資商。古典音樂機構的發展和穩定，往往與以金融機構所給予的長期而穩定的資金投入密不可分。由于金融危機對金融機構帶來最為直接和致命的影響，致使古典音樂行業也由于缺乏贊助而遭受損失。
劇知情人士透露，由于兩大常年金融贊助商的撤出，薩爾茨堡音樂節在2010年的演出計劃被迫做出調整，已經不得不砍掉4場歌劇，資金缺乏甚至將威脅到一部全新歌劇的制作。英國一些音樂學術研究機構因為資金匱乏，也面臨關閉的危險。
在美國，密歇根州歌劇院由于資金短缺取消了一場歌劇《丑角》的演出。除了取消《丑角》外，歌劇院還裁員3名，并推遲原定明年上演的雄心勃勃的瓦格納《指環》全集，取而代之的是耗資相對較小的莫扎特《唐璜》。
無獨有偶，洛杉磯帕薩迪納交響樂團由于流動資金已低于運作底線的580萬美元，也取消了4場流行音樂會演出，并以裁員協助樂團渡過難關。還有比取消演出更為嚴重的。因上屆美國總統大選聞名的美國橙郡的太平洋歌劇院，近日宣布將取消所有2008-09演出季的剩余演出，并很有可能關門大吉。英國男中音歌唱家布林恩?特菲爾的夏季音樂節也面臨2009年停辦的厄運。
美國資金最為雄厚的樂團紐約愛樂樂團的贊助基金從今年6月30日的2億5百萬美元下滑到9月30日的1億7千8百萬美元。樂團主席扎林?梅塔表示，盡管樂團目前還沒有采取實質性措施應對金融危機，但“影響肯定存在，而且會愈加嚴重，肯定要勒緊褲帶了”。
為了應對金融危機，美國的許多演出機構都展開了一系列的應對措施。其中，開源節流是當前古典音樂機構應對金融危機最為有效的途徑。以吸引更多的贊助的開源措施，已經看似困難重重，因此，他們紛紛把重點工作放到了緊縮開支上。樂團和歌劇院紛紛減少排練時間和演出場次，以躲避支付員工加班工資。
號稱全球最大歌劇院和古典音樂演出機構的大都會歌劇院，也同樣開始拿員工開刀，減少員工的醫療保險金。總經理彼得?格爾布也在探索“保證藝術質量前提下”的縮減開支，包括巡演和娛樂花費，以及減少加班時間。他說：“從票房看來，今年的票房比去年有所上漲，但很明顯漲幅低于預期。我預料集資也會遇到前所未有的困境”。紐約市立歌劇院早就因為演出場所裝修而削減了許多演出。日前因為資金周轉問題，歌劇院要求員工開始停薪休假，每月2天。此外，歌劇院的年度預算也從之前規劃的60萬美元降低到36萬美元。這一調整直接導致歌劇即任總經理吉拉德?莫迪埃還未走馬上任便宣布辭職，因為他“無法接受管理一家比法國最小規模歌劇院還捉襟見肘的歌劇院”。芝加哥交響樂團因為金融機構對樂團的貸款額減少而陷入困境，取消了2009年的歐洲巡演計劃。
第8篇：古典音樂問題范文
關鍵詞: 流行音樂; 電腦音樂; 動態處理
當某段音頻的聲音發軟、無力或是音量太小，相信大家都會說，那是因為“動態”不好所造成的。從這個角度來說，動態就似乎意味著硬朗、有力和大音量的音頻。可是，有時我們調整出硬朗、有力和大音量的音頻時，卻感覺不到好的“動態”，也許有些朋友會說，那是你沒有把“動態”調好，但我已經調整到我所需要的硬朗、有力和大音量的聲音了，為什么還會感覺不到好的“動態”呢？
動態”到底指的是什么？
有些教材或文章指出，某些風格的音頻必須讓其電平達到或保持在某某分貝，從這個意義上來說，動態就似乎意味著響度。可當我也將自己做的音頻調到同樣的響度時，卻又感覺不到所謂的“動態”。 可偏偏這個在音頻處理過程中必不可少的“動態處理”，有時卻讓讓很多人百思而不得其解。那就是――什么叫動態？“動態”是否一定要具備硬朗、有力或是大音量的音頻等條件呢？或者“動態”又一定要有響度？事實上，答案是否定的
那么，“動態”――你到底是什么？
在我看來，“動態”是通過一些效果軟件或者硬件，把音頻文件中的信號處理得更深入，更接近，對比更明顯，層次更清楚，通過這些處理，使音樂對人的感染力加強，有置身音樂之中的感覺。在聽動態做的好的曲子時，聲音的感覺是撲面而來的，在現在音響市場上的發燒碟就是以夸張的動態來體現發燒的。
為什么要搞動態處理？
首先要說明一點：古典音樂以及“嚴肅的”音樂都是不搞動態處理或者較輕處理的。動態處理有兩大類，主要的一類是壓限Compressor / Limiter。最初發明它出來的目的，是為了解決歌手或樂手控制不好音量，導致錄音時聲音超過設備所能接受的極限的問題。在錄音時使用壓限器，就不用擔心聲音��標的問題了。
隨著社會的發展，動態處理又開始參與后期縮混。使用它的目的是可以把一些突然很大的聲音�比如某一個地方的鼓的聲音給自動壓小，從而可以對整個音樂的音量作出提升。
隨著時間的推移，音樂人使用動態處理的心態有了改變，與最初目的不同了，解決音量��標問題是次要的了，而首要作用是為了讓音樂盡可能地“響”。
目前唱片業中的所有的流行音樂都是要進行壓限�Compressor / Limiter處理的。壓限處理，其實就是讓音量自動變化，用最簡單的話來說，就是聲音小的地方把它提上去，聲音大的地方壓下來。那這樣做豈不是會破壞原有的聲音感覺？會不會讓人聽著難受？是的，動態處理確實會“破壞”原有的聲音，但是如果讓人聽起來難受了，那說明這個處理是不合格的，從某種意義上來說，動態處理是讓音樂更加“悅耳”。
為什么一定要進行動態處理呢？難道保持原汁原味的聲音不好么？好，確實好，古典音樂就是不做動態處理的。但是你不能指望流行音樂的聽眾都與古典音樂的聽眾一樣可以認真地對待音樂。人們聽流行音樂更多的是作為一種比較隨意的消遣，聽的時候非常隨意，任何地點任何條件都有可能，甚至很多時候流行音樂是作為影像事物的“陪襯”出現的，因此人們對流行音樂的聲音要求就與那些“嚴肅的”音樂不一樣。人們并不需要流行音樂的具有真實、自然、原汁原味的聲音，而是要求它的聲音盡可能地舒服，盡可能地大，越大越好，做到讓整個曲子無論輕重緩急，都能讓人們在任何地點任何狀態下都能聽清楚并且聽得過癮的地步。這就是動態處理所要做的事情。
流行音樂的發展史也就是“響度競賽”的發展史。在早期，這種情況還不明顯，但隨著時間的推移，尤其到了最近10年，響度競賽愈演愈烈，每一位音樂人都要求他的唱片的聲音是最響的。我們來看看從 1980 年到2000 年間，流行音樂平均電平的數據。
在1980 年，流行音樂的平均電平在 -20 dB ，基本上沒有做動態處理；到了 1990 年，上升到 -14 dB ；1995 年已經到達 -6 dB ；到了 2000 年更是近乎瘋狂地到達了 -3 dB ，幾乎與峰值一樣大。而且，耐人尋味的是，越是商業化、功能化的音樂，對大響度的需求越強烈，做動態處理越發極端。
動態處理已經成為當代音樂制作中的一個重要環節，其重要性已經超過了混響和 EQ ，成為最重要的效果器。動態處理分為兩大類，剛才所說的是第一類，也就是壓縮和限制（�Compressor / Limiter），它們的原理是壓掉大聲音，提升小聲音。另一類動態處理正好相反，是壓掉小聲音，提升大聲音，這就是“擴展”和“門”Expander / Gate）。
擴展和門的作用是什么呢？它們的用途比較窄，主要作用有二：1， 讓聲音聽起來更富有動感，主要用于節奏類的樂器，可以讓鼓聲更有爆發力。2， 2，抑制背景噪聲。�所以 Gate 也叫噪聲門）����不同的音樂形式有不同的“規矩”
所謂“規矩”，就是這種音樂的普遍做法和普遍的平均值電平�RMS）����。我們做音樂一定要“合群”，不能別人的聲音都很大而你的卻很小，也不能別人的聲音都很小而你的卻很大。如果是古典音樂，就不用作動態處理了，因為古典音樂的“規矩”就是真實，堅決不做假。別說動態了，連混響、EQ都不能做。
但如果是功能性的管弦樂，比如電影電視配樂、廣告配樂之類，這就要作處理了，我在一開始就說過，越是“功能性”強的音樂，對動態處理的要求越高。所謂“功能性”，就是這個音樂的作用并非是純粹給人欣賞，而是有別的目的的。真正的古典音樂是不做動態處理的，因為它所面對的是“一小撮”真正的古典音樂愛好者，但同樣一段古典音樂，如果放在廣告里面，就要作處理，這是為了照顧廣大人民群眾。
中國傳統民族音樂，也就是中國的古典音樂，也是基本不做動態處理的。這就是“規矩”。但現在的很多“政治音樂”�民族音樂的曲+政治的詞+管弦樂的伴奏，具有很強的“功能性”，是要做處理的。�總之，凡是具有“功能性”的音樂，都是要做動態處理流行音樂全都要做動態處理，處理的深淺要看具體是哪一種音樂了。有一個規律：越激烈的音樂形式越要做處理；功能性越強的音樂形式越要做處理。比如Hip-Hop的處理就比慢悠悠的情歌要大，搖滾樂又比Hip-Hop大，電子舞曲又比搖滾樂要大。每一種音樂都有自己的“規矩”，搖滾樂要求電平RMS）要至少能達到 -10dB ，而電子舞曲則要求電平�RMS）至少達到 -6dB ，這就是“規矩”，如果你達不到，出版社就不收你的作品。
怎樣了解一種音樂的“規矩”呢？最好的方法就是買一些同類型CD唱片來聽，你的音樂的聲音感覺與它們一樣了，就算合格了。
在音樂中加入動態有很多的方法和工具，但目的都是一個，讓音樂更具有可聽性，不管在做音樂的時候怎么追求特點，怎么要求完美，都不能背離“好聽”這個原則。所以我們在給自己的音樂加動態處理的時候，不能按照習慣，按照套路，或者按照固定的參數去調整，要結合實際的曲子和通過耳朵的感受，確認有更好的可聽性才能確認調整。
參考文獻:
[1]謝嘉幸2005：《音樂的“語境”――種音樂解釋學視域》[M]上海音樂學院出版社。
[2]謝嘉幸2000：《音樂分析》[M] 高等教育出版社。
第9篇：古典音樂問題范文
很多時候人們會用娛樂的標準來衡量藝術,用藝術的標準來要求娛樂。這種錯位引起了很多沒有意義的論戰,比如關于朦朧詩、先鋒藝術、流行歌曲、“超女快男”、電視肥皂劇等等。還有些類似的錯位是出于維護集團利益,比如關于“原生態唱法”,一開始試圖通過娛樂的方式推廣藝術,結果藝術本身被異化了。
娛樂是孤寂的現代人不可或缺的伴侶,其目的是使人快樂,當發展到一定境界后,就會朝三個方向發展:1.競技。比如各種球類、棋類比賽。比較鮮活的例子是CS電子競技,從純粹的網絡電子游戲,經過一段時間的普及和發展,在其技術含量達到一定程度,出現了一批準職業玩家之后,便出現了專門的比賽。2.藝術。藝術本源并不是單一的,但娛樂是重要的起源之一。比如小說、電影、攝影、戲劇、戲曲以及各種語言藝術,它們產生最早是供人娛樂,之后隨著技術手段的豐富、內容的深化,逐漸發展為藝術。音樂、繪畫的產生太早,幾乎和人類文明的產生在同一時刻,我們已無法確切的考證其產生的原因和過程,但娛樂肯定是其產生的動力之一。3.繼續娛樂或消亡。有些娛樂形式我們無法預知它是否會演變為競技,比如麻將、扎金花;也不能確定是否會升華為藝術,比如刺青、脫口秀。但有些娛樂已經或幾乎消亡,比如踢毽子、翻繩、許多曲藝品種和地方小戲等等。
娛樂和藝術的區別在于:娛樂考慮更多的是受眾,也就是娛樂的享受者。在娛樂活動中,一切規則、內容、形式都是為了參與者能夠獲得更多的快樂而設置的,比如好萊塢純商業電影、各種電視綜藝節目、卡拉OK、三國殺等等,其中的各個環節都是為了讓人們得到更多的娛樂,而后通過大批量復制和商業營銷,形成規模市場;藝術的運作中心是創造它的藝術家,是藝術家表達個人情感與思辨的過程,它的產品就是藝術品(有形的或無形的),而藝術品本身無法復制。在創造藝術品的過程中,受眾是否能夠充分理解或得到享受雖然也很重要,但更重要的是藝術家是否表達準確和充分。
